STAR TRECK por PILAR AGUILAR

...Me abandoné en la butaca dispuesta a pasar un buen rato. Sin mayores expectativas. No esperaba nada especialmente innovador en lo que a efectos especiales, escenografías, maquinarias y demás artilugios se refiere. Ya se encargó la saga de La guerra de las galaxias de colocar el listón muy alto. Y, por supuesto, no esperaba una lección de filosofía ni de vida (no soy pretenciosa pero soy mayor).

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O sea, no esperaba nada del otro mundo. Pero tampoco esperaba que me endosaran una versión tan reaccionaria de éste.

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La presencia de mujeres es ínfima, no sólo en número sino en importancia y significado. Su único rol es parir (no educar, ni legar cultura, ni dar sentido, ni crear genealogía, ni generar historia, que eso todo lo hacen los varones) y estar por ahí, en un discreto segundo plano, dispuestas para cuando uno de los protagonistas tenga que vivir el deseo sexual. Pero todo el entramado de la historia se urde al margen de ellas y discurre entre varones buenos, malos, resentidos, alocados, sabios, guapos feos, jóvenes, viejos, terrestres, vulcanos o de cualquier otro planeta. Todo ello en un universo significativo que pertenece a los varones. Las mujeres son artistas invitadas, anecdóticas, marginales a la significación, a la aventura, a la verdadera pasión, a lo que realmente importa. Y no crean que exagero. Si se hace una sinopsis de doce o quince líneas (ésta, por ejemplo) las mujeres desaparecen. Sólo asomarán si nos adentramos en secundarios pormenores erótico-amorosos...

Para leer la crítica completa accede a esta link http://www.cruzandolanoticia.com/?p=2185

Pilar Aguilar (CIMA) crítica y ensayista, publica crítica de cine abiertamente faminista en la publicación digital "Cruzando la noticia" y desde "Punto de vista" queremos compartirla con vosotros.

ESTO ES LA JUNGLA: Notas sobre el proceso de realización de “Un novio para Yasmina”. Por Irene Cardona

Jorge: “El mundo es un lugar trágico, amigo mío” (sobre el guión)

Trabajé el guión con Nuria Villazán, amiga y cómplice de ésta y espero que otras aventuras cinematográficas. En la comedia encontramos un medio ágil y elocuente para contar la historia de Yasmina, una estrategia perspicaz para revelar las contradicciones de los personajes, y al mismo tiempo, dar ligereza al tema (también, de forma inconsciente, para desafiar a aquellos que ingenuamente creen que una película sobre una mujer marroquí tiene necesariamente que acabar mal).

¿Por qué no reírnos del caos cotidiano, de la soledad del ser humano? ¿Por qué no rescatar la ternura de nuestros torpes intentos por acercarnos a los demás?
¿Por qué no ser amables, aunque pensemos, como Jorge, que el mundo es un lugar trágico?
El humor, dijo alguien, es la cortesía de los desesperados.

Pero no, yo no me siento desesperada.
Sí me siento bastante frustrada como ciudadana, y más que nada, me sorprende la falta de conciencia generalizada. Por eso me pareció importante poner en escena la vida de unas personas singulares: singulares porque son conscientes de las injusticias del mundo en el que vivimos, y porque, en lugar de lamentarlo en la barra del bar –o aún así- , se ponen manos a la obra, sabiendo que no van a conseguir grandes cambios, pero sí, al menos, que mejorarán la vida de los que tienen cerca (y de paso, tal vez, encuentren sentido a la suya).

Mari: “Esto es la jungla, Lola, la jungla” (sobre el rodaje y la postproducción)

El rodaje tuvo lugar en Extremadura en el mes de agosto de 2007 y fue una aventura irrepetible; fue duro y hermoso, como siempre.
Cada día me presentaba en el set como si hubiera descansado la noche anterior, dispuesta a rodar cada plano como si fuese el más importante de la película, a creer en los personajes, a revelar sus secretos, ocultos en la jungla del rodaje, y, aunque no siempre era posible, sin perder el sentido del humor.
“Aquí todos somos inmigrantes. - dijo el director de foto a su ayudante, parodiando una línea del guión- ¡Yo de México y tú de Logroño!”.
Y así, gracias al impagable esfuerzo del equipo técnico y a los desvelos del productor –Francisco Espada-, llegamos al mes de septiembre, exhaustos, pero enteros, y con la peli en el disco duro. Ahora solo quedaba “reencontrarla” en el montaje.

Alfredo: “La desconfianza es una debilidad de carácter” (después del estreno)

A Sanâa Alaoui, José Luis García Pérez, Maria Luisa Borruel, Francisco Olmo… y todos los actores y actrices de Un novio para Yasmina, les agradezco su capacidad para confiar y su talento para mostrar su fragilidad, su sentido del humor, su ironía y sus temores y regalárselos a Jorge, Alfredo, Lola, Yasmina, Mari, Javi, Abdel… personajes que me han acompañado durante muchos meses y que ahora siento alejarse a gran velocidad. El día del estreno de la película, a comienzos del mes de julio, comenzaban ¡por fin!, su vida sin mí. Fue una sensación extraña, pero, no puedo negarlo, también un alivio. Un novio para Yasmina ya no me necesita, ya no me pertenece (bueno, no sé qué porcentaje parece que es irrenunciable), pero no me deja vacía, ni mucho menos.

Me quedo con el regalo que me hacen los que, con sus comentarios sobre la película y el brillo de sus ojos, me demuestran que este insensato empeño por reconstruir en la pantalla un mundo paralelo, tan absurdo o divertido como el real, sigue teniendo sentido. Seguiremos intentándolo…

ELEGY por Eva Lesmes

El marketing de las películas acostumbra a intentar hacernos creer que el producto que venden es otra cosa distinta a lo que realmente es. Esto pasa con “Elegy” y para mí, ha supuesto un verdadero handicap a la hora de ver la película. La publicidad, basada en vender a Penélope, su origen español y su aura hispano-erótico, me había hecho preconcebir que iba a ver una película de una tórrida historia de amor entre un hombre mayor y una jovencita. Esta idea preconcebida lastró gran parte de mi percepción de la película, ya que lo que yo estaba viendo era otra cosa distinta a lo que creía que iba a ver.

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La película que yo he visto es una historia sobre el paso del tiempo, la historia del “animal moribundo”, la del profesor David Kepesh, intelectual y egocéntrico, ante el que pasan las últimas oportunidades de la vida. He visto la historia de este hombre incapaz de comprometerse más que consigo mismo y su manera de vivir. En ella Penélope (con el difícil nombre de Consuela) es una pieza más de las que giran alrededor del profesor, tan importante como las demás, todas ellas personajes geniales, encarnados por actores de enorme talento y presencia. Patricia Clarkson , maravillosa en su mujer urbana y adicta al trabajo que intenta por todos los medios seguir manteniendo su vida tal y como era, intentando ignorar el paso del tiempo que se cuela silencioso en su piel y en sus afectos. Dennis Hooper, genial como poeta, amigo y confidente que intenta parar el paso del tiempo en brazos de amantes fugaces. El hijo del profesor al que el tiempo enfrenta a los mismo conflictos por los que ha estigmatizado y repudiado durante toda su vida a su padre. Por último Consuela esa niña cubana pija, bella e insustancial, que esconde el más preciado de los tesoros; el del compromiso y la entrega, el de la compañera fiel que el profesor nunca ha tenido, esa niña que cobra profundidad en el desarrollo de la película y crece ante la adversidad, esa última oportunidad que el profesor ha perdido temiendo y anticipando un futuro que nunca hubiera llegado, porque la vida se encargó de cambiar el guión.

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He visto una película mucho más seria (en el mejor sentido de la palabra) y mucho más profunda de lo que los vendedores de la película quisieron hacerme creer. Una película que crece y cobra alas a medida que avanza, una película que como me decía el otro día una amiga, con sorpresa, es “para mayores”. De las que ya tan pocas hay.

CIMA SE PRESENTA EN GALICIA, por Chelo Loureiro

El pasado 16 de abril el café Macondo en A Coruña acogió la primera reunión de CIMA en Galicia. A la cita hemos acudido, además de las que ya somos socias, otras profesionales como productoras, directoras, realizadores de cine y TV, guionistas, periodistas de medios especializados… que no dudaron en unirse a la causa, aumentando considerablemente el número de asociadas gallegas. Y más que por estar rodando no han podido acudir pero se comprometieron a hacerlo.

Sin duda este encuentro nos ha permitido conocer personalmente a muchas compañeras y propiciado la necesidad de conocer sus trabajos. También para constatar una vez más el bajísimo porcentaje de mujeres con significada responsabilidad en la producción comparado con el de hombres (basta con repasar las nominaciones a cualquier premio en donde, salvo en las consabidas especialidades donde la participación femenina es alta: peluquería, maquillaje y vestuario, en el resto desaparecemos…)

Por cierto que, hablando de premios, en los Mestre Mateo de la Academia Gallega del Audiovisual celebrados justamente la víspera de nuestro encuentro, creo que debemos hacernos eco de las especialidades en donde el número de nominadas era mayor que el de nominados (de 19 candidaturas):
- Dirección de producción (4 de 5)
- Maquillaje y Peluquería (4 de 4)
- Diseño de Vestuario (4 de 4)
- Dirección artística (4 de 4)
- Montaje (3 de 4)
En el resto, salvo al Mejor Comunicador de TV (empate a 2) y las obvias de Personajes Femeninos Protagonista y de Reparto, solo aparecían varones, pero sin duda nos congratulamos del significado aumento de mujeres, lo que pone de manifiesto que poco a poco vamos accediendo a puestos de responsabilidad y que nuestros trabajos son apreciados.

Aun así, todas hemos coincidido en la necesidad de una campaña de “reeducación” de nuestros compañeros y, debemos reconocerlo, de algunas compañeras. De hecho, Manane con el sentido de humor que la caracteriza, además de lamentarse de que desde su llegada a Galicia ha dejado de ser llamada por su nombre para serlo por “la mujer de Xavier”…, contaba que ahora se están poniendo de moda en marcos como festivales y otros eventos cinematográficos, la organización de encuentros de mujeres de audiovisual “… como si fuésemos personajes de un circo!”, y es curioso observar que algunas compañeras comienzan la reunión afirmando que no se han topado con ningún problema profesional por el hecho de ser mujeres, pero que a medida que van exponiendo su situación, comienzan a dar infinidad de datos que justamente demuestran lo contrario, lo que no hace sino constatar que en muchas ocasiones no somos conscientes del grado de machismo que todavía impera. Simplemente lo hemos asumido hasta el punto de no advertirlo hasta que se hace un análisis más profundo.


En general el encuentro ha resultado tan positivo que se ha planteado la posibilidad de, tal y como organizáis en Madrid, planificar en Galicia tertulias periódicas. Y el Café Macondo en Coruña o el Café del Casino de Santiago podrían ser unos perfectos espacios para acogernos.

Para terminar, anotar que hemos pedido a todas las socias que nos hagan llegar algún enlace on line que nos permita acceder a sus trabajos. Sería estupendo publicitarlos en la web de CIMA para que cualquiera pudiese tener esta importante información.

Saludos muy afectuosos a las recién llegadas:
María José Arrojo Baliña (Periodista)
Giselle Llanio (Directora/realizadora)
Mamen Quintás (Productora)
Susana Pego (Jefa de producción, documentalista)
Alexia Muiños Ruiz (Guionista y realizadora)
Carmen Iglesias (Directora radio, montaje y realización)
Sandra Sánchez (Directora y montadora)
Dolores Ben (Empresaria Sonido y presidenta de AGAPI)
Sonia Barros (Realizadora TV)
Sonia Méndez (Realizadora de cortos y actriz)

Fdo. Chelo Loureiro

XXY por Azucena de la Fuente y por Eva Lesmes

El Goya a mejor película extranjera de habla hispana, Seis premios Sur de la Academia argentina, seleccionada por su país a los Oscars aunque no fue nominada, Gran premio de la Crítica en Cannes, premio de la Juventud en Seminci (Valladolid), en Bankok, en Atenas, en Edimburgo etc. Lucía Puenzo, guionista, entre otros, de su padre, Luis Puenzo (La historia oficial, La puta y la ballena), y autora de las novelas "El niño pez" (2004), "Nueve minutos" (2005), "La maldición de Jacinta Pichimahuida" (2007), debuta con éxito en la dirección con esta película basada en Cinismo un cuento de Sergio Bizzio (Rabia).
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"XXY" narra la historia de Alex, una adolescente de quince años que guarda un secreto. Sus órganos sexuales externos son masculinos y femeninos -una pseudohermafrodita femenina, donde los niveles de andrógenos están disminuídos-en terminología científica-. Alex está descubriendo su compleja sexualidad y se enfrenta a un mundo que la considera una extraña. “Nada es peor que tenerle miedo a tu propio cuerpo” dijo un chico que fue “normalizado”. En esa castración el miedo a la ambigüedad genital se convierte en metáfora del miedo a manifestarse como un@ es. Así, Alex vive escondida en su secreto.
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A pesar de que el hermafroditismo se considera un indicio de reproducción más primitiva que la unisexualidad repasando la historia vemos que sobre este tema siempre se ha cernido un tradicional silencio. Incluso la mitología lo contempla. Hermafrodita, hijo de Afrodita y de Hermes, era un hermoso joven que se fusionó con la ninfa Samalcis y mutó en un ser con dos sexos.
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Socialmente el mayor problema que plantean los estados intersexuales es la propia definición. Adoptar un rol masculino o uno femenino. Así como las cuestiones jurídicas, médicas y morales con respecto a sus descendientes.
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Y para alejar a los personajes de la sociedad la directora los sitúa en un contexto de paisajes inmensos, junto al mar, en contraste con la opresión del personaje. Esta idea está tratada por la directora de fotografía Natasha Braier (En la ciudad de Sylvia) en las lentes y en la luz.
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Tan buen comienzo ha tenido Lucía Puenzo que en abril comienza su segunda película. ¡Enhorabuena!

AZUCENA DE LA FUENTE

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XXY es la última película argentina que me ha entusiasmado, como muchas antes: El hijo de la novia, El Bonaerense, León rojo, Roma, No sos vos soy yo etc, etc. Después de verla me he pasado varios días pensando: “Quiero hacer cine argentino”.

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¿Qué nos diferencia tanto a los argentinos y a los españoles a la hora de hacer películas tendiendo dos filmografías periféricas, latinas y pobres?. ¿En todo caso teniendo aquí más industria y más medios?. Creo que hay varias cosas: una, la profundidad con la que se retratan los personajes, buceando en sus motivaciones y sus contradicciones, otra, la elección de los temas tratados que sirven de reflejo y reflexión de nuestras sociedades y nuestras vidas, por último el valor de la palabra, por un lado como contenido, sin miedo a verbalizar el pensamiento y los conflictos de los personajes, y por otro como forma, como acción, llena de valor y presencia.

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No os perdáis XXY una película sobre la dificultad definirse como persona, de tomar caminos que nunca, nadie, ha recorrido antes. Con una luminosa, intensa y carismática Inés Efron como protagonista de este film lleno de palabras y silencios, de gritos y susurros, de verdad y de fuerza dramática.
EVA LESMES

APUNTES COTIDIANOS por Carmen Vega

Dos mujeres, un hombre, una parada de autobús, es de noche, es invierno. Estos tres personajes presencian cómo un coche aparca y salen de él un hombre con un perrito, el hombre ata al perro a un poste, entra de nuevo en el coche y huye. El perro ha sido abandonado.Estas son las herramientas que utilizan Judith Collel y la guionista Gemma Ventura, para contar en principio tres historias, pero que se pueden extrapolar a las incontables vidas de este mundo. El perro como metáfora del abandono, todos somos abandonados de alguna manera y todos abandonamos también e incluso nos abandonamos a nosotros mismos.Colell en su segunda película nos habla de ese abandono y sus consecuencias: el dolor y la soledad a través de tres personajes principales ( Mila, Valeria y Celso) y tres secundarios ( Madre de Valeria, Dolores y Vagabundo ).

Sobre el casting me explayo a continuación, porque todos y cada uno de los personajes están sostenidos por una cuerda gruesa que en los cabos sostienen con precisión de un lado la directora y de otro los actores.Mila ( Mercedes Sampietro ), inicia la historia aguantando un primer plano soberbiamente, como sólo los grandes lo saben hacer y que a mi me remite ( otros pensarán que exagero, pero no me importa exagerar ) a ese otro de Liv Ullman mirando el reloj en Saraband de Bergman, mientras le cuenta un retazo de sus miedos a un psicólogo, al cual por sabiduría de la directora no vemos.Valeria ( Aina Clotet ) espléndida , no en vano se llevó por este papel los Premios a la Mejor Actriz y Mejor Actriz Revelación del Festival Cinespaña de Toulouse.Celso ( Alex Brendemühl ), un actor que sabe construir los personajes que interpreta con mano maestra ( Las horas del día, Yo, En la ciudad, Salvador ) .Madre de Valeria ( Sívia Munt ) siempre eficaz. Dolores ( Montserrat Salvador) en la plenitud de la vejez, siempre la recordaremos como la madre de Mikel en la película de Uribe. Vagabundo ( Celso Bugallo ) aquí en casi una figuración con frase pero rotundamente logrado el personaje.

En cuanto al guión, para mí ha sido un descubrimiento conocer el trabajo de Gemma Ventura, de la que desconozco toda su trayectoria profesional, pero que a partir de ahora voy casi a perseguirla, ya que en esta película demuestra con talento, finura y solvencia como se arma y dialoga un guión de estas características tan especiales.Ventura con este guión fue seleccionada en II Laboratorio de guionistas de la SGAE y el Instituto Sundance .Judith Collel directora y compositora de este cuarteto musical que podría ser un collage entre Haydn y Shostakovich, el primero por la sencillez aparente de la película y el segundo por la atonalidad en la forma de narrarla. Me remito a la música para hablar de la película ya que la música es también un elemento fundamental para la historia. Valeria es violonchelista en un cuarteto y mantiene una relación con su profesor, por tanto es la música la que les une y desune y la Madre sumida en su depresión lo único que puede hacer es escuchar música. La banda sonora de la película son los trozos de piezas que toca Valeria y la música que sale del CD de su madre. Esta ausencia de banda sonora tradicional hace que el espectador no esté manipulado por el sentimentalismo, la emoción Colell la produce secamente a través de sus personajes y la manera de filmarlos , yo personalmente se lo agradezco.Quiero finalizar diciendo amargamente que esta película sólo ha durado en cartel dos semanas y la segunda con sólo dos pases. Parecido estreno han sufrido películas como: Yo de Rafa Cortés, La influencia de Pedro Aguilera etc… para no extenderme.Creo que con esto está todo dicho sobre la exhibición en este país.

TEBRAA: Voces del desierto, por Lucia Vannucchi

En un panorama cinematográfico generalmente pobre en producciones femeninas surge de repente el proyecto “Tebraa, retrato de mujeres saharauis”, presentado en la última edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Se trata de un documental en el que 22 mujeres andaluzas (entre realizadoras, montadoras, productoras, diseñadoras gráficas, distribuidoras y compositoras) han formado parte del equipo estable.

Es una película colectiva creada con la intención de dejar constancia de una situación injusta e inaceptable, de iluminar una zona de sombra del mundo y, sobre todo, de dar voz a las mujeres saharauis, aquellas que soportan el exilio y resisten en los territorios ocupados del Sahara occidental o en los campos de refugiados de Argelia :“Todas estábamos de acuerdo con la idea básica que nació desde la Asociación de Amig@s del Pueblo Saharaui: hacer una película sobre mujeres implicando a creadoras de aquí, con el objetivo de expresar la condena a la continua violación de derechos humanos y al retraso desesperante de la Comunidad Internacional frente a una situación tan catastrófica y, a la vez, crear un puente entre mujeres de diferentes culturas”, comenta Beatriz Mateos, una de las directoras.

"La película es un mosaico de piezas cortas contadas con diferentes estilos y lenguajes. Ha sido un trabajo voluntario, con lo que las bases del entendimiento ya estaban claras. Ha habido un gran ánimo para llegar al consenso y para que cada decisión tomada se armonizara con el conjunto de la película. ...
…Todo el proceso de construcción de la película ha sido más lento por ser muchas y el esfuerzo ha sido múltiple, pero también lo han sido las ventajas..”, comenta Eva Morales Soler, otra de las directoras.

Cada relato regalado por las distintas protagonistas es a la vez un acercamiento al drama sufrido por el pueblo saharaui y a lo cotidiano de ellas, a su universo personal y a sus aspiraciones, en un crescendo de tensión emotiva. Con el título se hace referencia precisamente a esta doble lectura: “la Tebraa es el canto solitario de las mujeres del desierto; refleja sus sueños y su vida interior”, afirma Dacil Pérez de Guzmán - otra realizadora - con motivo del estreno de la película.

Uno de los momentos más impactantes del documental se encuentra en la parte rodada en los territorios de El Aaiun ocupado, donde las realizadoras fueron obstaculizadas por el control policial marroquí y terminaron en la cárcel por el simple hecho de haber hablado con saharauis.
“A la hora de rodar tuvimos muchísimas dificultades y nos vimos obligadas a ocultar la cámara, hacer individualmente todo el trabajo de producción, grabación de video y audio. Las mujeres que entrevistamos se expusieron también a un gran riesgo de represalia simplemente por transmitirnos su testimonio anónimo”, continua Dacil.

Desde Canarias, la isla que les ha dado asilo político, Fátima y Mamia Salek nos arrastran directamente al corazón del drama saharaui. En los pocos minutos que dura el fragmento, casi al final de la película, ellas relatan su escalofriante experiencia de 16 años pasados en una cárcel marroquí donde fueron victimas de torturas y testigos de la muerte de sus padres. Liberadas gracias a la presión internacional, ahora viven en paz pero sin poder olvidar su pasado.

El hecho mismo de que al final nos quedemos con las ganas de saber más sobre el tema demuestra que la película logra llegar el público de forma directa y efectiva a pesar de que las objetivas limitaciones técnicas de la naturaleza del cortometraje no permitan profundizar en una temática tan compleja.

MATAHARIS por Eva Lesmes

Tengo que confesar que siempre me han gustado las películas de Iciar Bollaín, desde “Hola estás sola” me han cautivado sus historias cercanas, su punto de vista crítico, su sentido del humor, su amor y su compasión por sus personajes (incluso el maltratador de “Te doy mis ojos” es un personaje dibujado con profundidad, es opresor pero es víctima a la vez de una educación y un entorno), pero hasta ahora ninguna de ellas me había emocionado tanto como Mataharis. Desde el primer plano de Najwa Nimri espiando en la calle con su bebe en brazos, la película me emocionó. Las tres historias me gustaron, de la de María Vázquez me tocó en su conflicto moral, esos que tenemos a menudo en nuestras vidas y que sin embargo pocas veces vemos reflejados en las pantallas, de la de Nuria Gónzalez, me gustó, sobre todo, que se desarrolle en silencio, en el espacio entre los pensamientos y la mirada, pero que nunca se verbalice lo que le ocurre. Pero sobre todo me enganchó la historia de Najwa con su coraje, su vulnerabilidad, su lucha por intentar combinar la vida en pareja, la maternidad y la profesión. Me tocó en lo más hondo, me sentí tan identificada que no solamente lloré durante la proyección sino que al salir no podía dejar de llorar. La película cruzó la sala de proyección para adentrase en mi mundo cotidiano y hacerme reflexionar sobre mi vida, mis luchas, mis conflictos, mis emociones.

Gracias Iciar, por ser tan valiente y no solamente luchar por todo lo que quieres, sino también ser capaz de comunicarlo y hacer que trascienda. Por hablar alto y claro, y hacer que se te escuche, poniendo sobre la mesa algunos de los conflictos más potentes que hoy en día vivimos las mujeres occidentales y que se ven completamente ignorados por un cine y una televisión a la que en general parecemos no interesarle.

TAN LEJOS Y TAN CERCA por Isabel Coll

Tania Hermida, joven directora ecuatoriana, nos cuenta en este road movie “Que tan lejos” la historia sencilla pero profunda de dos jóvenes(una ecuatoriana y una española) que se encuentran para llegar a alguna parte. El lugar a donde se dirigen pasa a un segundo plano ante la importancia que va adquiriendo la amistad entre ellas así como los encuentros con gente de los pueblos por los que van pasando y el paisaje como un elemento más de la película. En este viaje casi iniciativo por Ecuador, se les une un personaje que aporta a la historia otro punto de vista sobre la vida.

A medida que avanza la amistad y comunicación entre las dos jóvenes también vamos queriendo un poco más a esas dos jóvenes que van descubriéndose a si mismas y conociéndose.
Es una película sobre la comunicación entre personas dando igual el país de origen de cada una.

Lo interesante del guión es que cuenta una historia cotidiana donde los personaje sufren las inseguridades y los desamores que todos hemos vivido alguna vez, ”el desencanto del primer amor”, como es el caso de la muchacha ecuatoriana. La joven española cuyo encanto es mostrarse tal cual es , sin ningún tipo de dobleces intentando ayudar a su compañera.

La sencillez de los encuadres con abundantes planos fijos y sin apenas movimiento de cámara le dan un tono documental que refuerza la historia .La película ha tenido muy buena aceptación de público y particularmente por el público de Sudamérica que vive en nuestro país. Creo que es porque propone una mirada nueva sobre su país. Habla de lo cotidiano sin plantearse ningún mensaje, mostrar la realidad que no siempre tiene que incluir pobreza y miseria aunque exista. En la sala oí una voz de una mujer que decía “¡mira por ese rió pasamos cuando veníamos para España!”, creo que con esto está dicho todo.

Un casting donde ha primado trabajar con los perfiles de personajes y eso aporta verosimilitud a la historia. Es alentador ver que cada vez hay más mujeres detrás de la cámara y en este caso también en el guión.¡Felicidades Tania!

ISABEL GARDELA, invitada al SALÓN INTERNACIONAL DEL AUDIOVISUAL EN BARRANQUILLA

Asistí como la invitada española al XI Salón Internacional del Autor Audiovisual, celebrado del 1 al 4 de noviembre 2007, en Barranquilla, Colombia y me gustaría compartirlo con vosotros.
El Salón se centra cada año en un tema diferente y en esta ocasión ha tenido como título “Diafragma: Ojo de Mujer”. La Fundación ha convocado a 5 directoras internacionales y a 10 colombianas a mostrar sus películas y a debatir sobre el oficio de la dirección cinematográfica desde la perspectiva femenina. Hemos podido ver los maravillosos trabajos de Patricia Cardoso, Ximena Cuevas, Francisca Schweitzer, Julia Solomonoff, Lourdes Portillo, Camila Loboguerrero, Jessica Sofía Mitrani, Libia Estela Gómez, Marina Arango, Silvia Amaya, Gloria Triana, María Paulina Ponce, Clara Mariana Riascos, Alana Farrah Roa, María Emma Mejía y Martha Rodríguez, directoras procedentes de Colombia, México, Chile y Argentina. El salón como espacio de reflexión nos ha permitido exponer nuestros puntos de vista en interesantísimas mesas redondas con títulos como: El oficio y las experiencias creativas; Cine de mujer y su representación de la realidad; Nuevas miradas y nuevos formatos en el cine de mujer; Cine de mujer en el contexto Latinoamericano; Cine y género: la mirada femenina; y El cine de mujer y su proyección en el mundo. En ésta última hablé de Cima y fue curioso comprobar el gran interés que despierta una asociación de mujeres en tierras latinoamericanas donde todavía no están bien vistas este tipo de agrupaciones.
¡Todo llegará compañeras!
Isabel Gardela
directora de Tomandote y El Dominio de los Sentidos, episodio El Olfato.

(Isabel Gardela, en el medio, junto a Jimena Cuervo, Jessica Sofía Mitrani, etc.)

Podemos añadir un dato muy interesante: Patricia Cardoso vio "Tomándote" de Isabel Gardela y... quiere hacer un remake americano! Está en gestiones con su agente... Enhorabuena, Isabel!

SOBRE EL SALÓN INTERNACIONAL DEL AUDIOVISUAL DE BARRANQUILLA:

Patricia Cardoso, la colombiana que dirigió 'Las mujeres de verdad tienen curvas', rodará ahora la historia del amor entre un abuelo y su nieta de origen mexicano. Hace cinco años que Patricia Cardoso no dirige un largometraje. Después de haber hecho Las mujeres de verdad tienen curvas, un filme de HBO donde la colombiana lanzó a la joven actriz América Ferrera (Ugly Betty), ha trabajado por lo menos en ocho proyectos, que hasta ahora no se han materializado. Ha estado en Barranquilla como invitada del Salón Internacional del Autor Audiovisual, donde ha ofrecido charlas y ha mostrado no solamente "Las mujeres de verdad tienen curvas", sino sus otros dos trabajos: El reino de los cielos, con el que ganó el Oscar universitario en 1996, y Cartas al niño Dios. El entusiasmo por sus películas y sus palabras ha sido notorio. Un séquito de estudiantes la sigue para entrevistarla y tomarle fotografías. Cardoso, una mujer tímida, sonríe ante cada encuentro. "Estoy muerta de ganas de hacer una película", le dice EL TIEMPO en la Cinemateca del Caribe. Y lo ha intentado. Estuvo en un proyecto para dirigir Happily Ever After, protagonizada por Halle Berry, pero dice que se le salió de las manos. Otros miembros del equipo empezaron a incluir escenas, a darle toques personales a esta producción. Cardoso decidió retirarse. "Sufro de inseguridad. La próxima vez tendré que imponer mi criterio", comenta. Ahora, está buscando casting para un filme que dirigirá y que será protagonizado por Alfred Molina (El hombre araña 2, El código Da Vinci, Frida). Es la historia del amor entre un abuelo y su nieta, que tienen origen mexicano y viven en Los Ángeles.

El largometraje ya está financiado en un 70 por ciento, lo que le la hace pensar que finalmente, y después de dos años de estar involucrada en el proceso, podrá rodarlo. Con la idea de abrirse a otros medios, la realizadora también ha buscado dirigir en televisión. Quiso trabajar en la versión estadounidense de Betty, la fea, por aquello de que es colombiana y pese a que descubrió a la protagonista, no fue contratada. "Pensaron que no iba a poder porque se trataba de televisión", afirma. Ahora intenta que, por lo menos, le den un episodio. "Algún día... Soy perseverante". Estos cinco años, sin embargo, han estado repletos de entrevistas. "Sigo vigente en Hollywood. Me sorprende", agrega. Cardoso se reafirma pensando en que los tres filmes que ha hecho -un largo, un corto y un mediometraje- son de gran calidad. "Son poquitos, pero estoy contenta. El reino de los cielos es una de las películas más bonitas que he visto en mi vida". Miembro del Sindicato de Directores de Estados Unidos, donde solo el cuatro por ciento son mujeres, Cardoso explica con estadísticas y frases sueltas la dificultad de hacer una película, así Los Ángeles (E.U.) haya sido su residencia desde hace 20 años: "Por cada película, hay cien proyectos que se desarrollaron", "para la mayoría de los directores hacer un segundo largo es más complicado" y "dicen que a las mujeres les queda más difícil hacer una segunda película". Sea por una u otra razón, la imposibilidad temporal de hacer un largometraje ha hecho que Cardoso esté abierta a nuevas posibilidades. En poco tiempo, una campaña institucional sobre el cáncer de seno, que ella dirige, saldrá al aire en Estados Unidos. La imagen es Felicity Huffman, estrella de Amas de casa desesperadas. La colombiana llamó a su mismo equipo de Las mujeres de verdad tienen curvas. La filmó en un día y la editó en dos meses. "No recordaba ni siquiera las palabras claves que tenía que decir durante el rodaje", comenta sonriendo. La palabra "acción" se había borrado de su vocabulario en inglés. "Para la mayoría, hacer un segundo largometraje es más complicado (...) Dicen que a las mujeres les queda más difícil hacer una segunda película" (Patricia Cardoso, cinematografista colombiana).

En la fila de adelante, María Paulina Ponce y Patricia Cardoso; atrás, Silvia Amaya, Francisca Schweitzer,

Jessica Sofía Mitrani, Julia Solomonoff y en último plano Ximena Cuervo.

Argentina, Chile, Colombia y México estuvieron representados. El balance que deja el Salón Internacional del Autor es positivo. Deja el sabor de un evento bien organizado, que sin un exceso de ambiciones presenta un segmento de producción al que difícilmente se puede acceder en Colombia dentro de los circuitos comerciales. En cuatro días, un público conformado en su mayoría por estudiantes de colegios y universidades de Barranquilla, pudieron conocer 34 películas, entre las que se cuentan: 'Hermanas', de Julia Solomonoff, de Argentina; 'Las niñas' y 'Paréntesis', producida y dirigida respectivamente por la chilena Francisca Schweitzer; y 'Señorita extraviada', de la mexicana Lourdes Portillo.

La actriz Maribel Abello, directora de la Fundación, explica el sentido de esta versión femenina del Salón Internacional de este año: "En los diez años del Salón hemos tocado diferentes temas: la música, el sonido, la fotografía, pero no la dirección. Las mujeres no habían tenido espacio suficiente y apareció la pregunta: ¿hay una óptica femenina en el cine?".

VIVIR DE PUNTILLAS por Carmen Vega

Cuando entré en la sala para ver "La camarera" de Adrienne Shelly iba con la total convicción de que me iba a gustar, sólo conocía a la directora por su trabajo como actriz en las películas de Hal Hartley y de ella como persona que había sido asesinada por un asunto de obras en su casa.

Olvidando lo anterior , comienza la película y me sumerjo en el microcosmos de esa pequeña localidad sureña donde se desarrolla la historia y aquí empieza el fallo, me encuentro con unos personajes que viven dos palmos arriba del suelo, que nunca caen en el charco que supone vivir con maridos maltratadores y enfermos, no aquí todo está filmado en tonos “ pasteles “ , me solivianto agradablemente un poco cuando la protagonista no quiere de inmediato a ese feto que crece dentro de ella, pero al poco rato me doy cuenta de la película no me va a sorprender, esa niña, los pasteles y los besos van a salvar la vida de esa ingenua y naif llamada Jenna. Y me viene al recuerdo la hondura de un personaje el de Alicia de Scorsese en “Alicia ya no vive aquí “, sin embargo Jenna si va a seguir viviendo allí, porque el lema “ que todo cambie, para que nada se mueva de su sitio “ funciona aquí a la perfección.

En descargo de todo lo anterior he decir que la película gusta a espectadores agradecidos, que el pulso narrativo es bueno, que las actrices y actores están muy bien, que la película es solvente y eficaz que pertenece por derecho propio al más puro cine indie. En fin que es agradable salir del cine suelto, con nada en los bolsillos, pero a mi me gustan poco “los monederos falsos".

PUERTA ABIERTA A LA CONSCIENCIA por Azucena de la Fuente

¿Por qué ésta película y no otras? Caótica Ana me impresionó profundamente al verla...y sentirla. En primer lugar elegí a una persona muy especial para mí para ver esta película en concreto. Era una mujer. Y sin saber exactamente de qué iba la película creo que acerté. Ambas salimos del cine entusiasmadas y dándonos cuenta de que es un alegato a favor del mundo femenino. Un discurso hecho por un hombre y un equipo sensibles.

Esta propuesta nos habla básicamente del inmenso poder de las mujeres. El mundo está en nuestras manos. Somos las que creamos a los hombres, las que los educamos. Y hacen falta muchas mujeres buenas que eduquen a hombres buenos.

Casi como si de antropología se tratase Medem se adentra en la historia de nuestras almas hasta nuestros ancestros. De tal modo que somos producto de las experiencias y pensamientos de nuestros antepasados. Todo ello está en la memoria de las células. Los científicos norteamericanos ya están obteniendo resultados asombrosos a este respecto. Así que hemos de tener cuidado de lo que pensamos, de lo que experimentamos porque ello tendrá repercusiones en nuestros descendientes. Positivas o negativas, eso depende de nuestro libre albedrío.

Arriesgarse a contar una historia tan compleja como ésta requiere mucho coraje. Y este cineasta lo tiene. Por otro lado demuestra, como su protagonista, una consciencia muy desarrollada. Gracias por compartir. Y gracias a vosotras por vuestra atención.

Madrid, 24 de septiembre de 2007

PROPIEDAD PRIVADA por ISABEL COLL

El titulo de la ultima película del director Joachim Lafose (Bruselas 1975) tiene un doble sentido .Por un lado la madre (Isabelle Huppert) como propiedad privada de los hijos que creen que ella les pertenece y por otro la casa en la que viven, origen del conflicto y metáfora de la familia .

De hecho la película esta dedicada “A nuestros limites”. Y es cierto que el tema fundamental son los limites. En primer lugar los limites que los padres no les han puesto a sus hijos y los limites que entre ellos como pareja tampoco han sabido ponerse . Quizás fruto de esa “mala” ruptura de la pareja radica también el conflicto entre los dos hermanos y a su vez de ellos con su madre.
La mujer( Pascale) divorciada, vive con sus dos hijos gemelos.Ya en las primeras secuencias de la película se manifiesta el maltrato de los hijos a la madre. Se relacionan con ella a través de la broma , bromas que hacen daño, llegan a llamarla puta cuando ella les pide opinión sobre una determinada prenda que se ha comprado.

Este maltrato va en aumento cuando la madre decide rehacer su vida con un hombre y vender la casa. Los “niños” ya de veintitantos años, montan en cólera y le hacen la vida imposible a la madre. Buscan la aprobación en un padre ausente que además de no haberse ocupado nunca de ellos, decide apoyar a sus hijos para que su madre no venda la casa. Una vez mas la mujer se ve sola ante actitudes machistas y patriarcales en las cuales el padre ,si ha podido rehacer su vida con otra mujer pero a ella le está negado. Tiene que ocurrir un accidente para que el padre reaccione y apoye a la madre .Lo que vemos al final es que el hijo aún no le ha perdonado a su madre que se haya separado de su padre.

A pesar de que la mujer avanza en derechos siguen ocurriendo estas cosas. Creo que la película trata un temática muy actual y es el maltrato de los hijos a los padres que cada día es mas frecuente.Ocurre tanto en parejas que se ha divorciado como en las que no .En el caso de la película , la protagonista se ve sola y quizás sus fuerzas desfallezcan a la hora de poner estos limites .No quiero justificar a la madre , evidentemente Pascale tiene responsabilidad en lo que le ocurre, ella no es capaz de poner sus propios limites.

La dirección de Joachim Lafosse es impecable, utiliza planos secuencias fijos durante casi toda la película. Planos que mantienen la tensión dramática y en los que los personajes entran y salen de campo.”Cada plano es como una casa que los personajes no logran abandonar” dice el director y es cierto es como si estuvieran atrapados en ese plano secuencia.Heredero del cine francés Joachim Lafose hace que los personajes estén comiendo en muchas secuencias de la película y mientras comen se mantienen silencios y conversaciones cada vez mas tensas en la medida en que avanza el conflicto.

Los actores están esplendidos y como siempre Issabelle Huppert desde la contención, transmite el vacio interior de esa madre que ha perdido su propiedad privada.

LOS LUGARES INEXISTENTES por Belen Santos

En los tiempos que corren se tiene demasiado en cuenta el paso del tiempo, se da demasiada importancia a la edad, se sobrevalora la juventud,… especialmente en las mujeres. Y el cine refleja eso mismo. Pero, “si el mayor consumidor de cine es un público joven, no les va a interesar historias de gente mayor, ¿no?”. En fin, ése es otro tema. El caso es que es cierta la escasa presencia de mujeres en los medios a partir de cumplir los cincuenta, y en el cine a penas existen, por lo que: ¿qué demonios harán las actrices a partir de esa edad, más que algunos cameos?

Si miramos fuera de nuestras fronteras algo parecido sucede. Pero de pronto nos encontramos con algunas gloriosas excepciones, como Judi Dench, Helen Mirren, o Meryl Streep, que a sus cincuenta y siete años, rodará en este año un total de cuatro películas, y ya tiene previstas cinco para el próximo. Claro, estamos hablando de Meryl y de una industria totalmente distinta. Pero insisto en que hay sito para ella en un mundo en el que también es difícil que lo haya. Y así hemos podido ver una de sus últimas interpretaciones en “El Último Show” dando vida a Yolanda, uno de esos personajes que es tan difícil encontrar en el cine contemporáneo: una mujer que busca lo bueno de la vida incluso en los peores momentos. Uno de esos entrañables personajes de la “América profunda”, sin que el calificativo sea aquí nada peyorativo, como aquella maravillosa Ashley de “Junebug” que nos regaló una hasta entonces desconocida Amy Adams.

Un viejo programa de radio, un viejo teatro en el que se realiza en directo con público, y una última actuación para todos, incluido el propio Altman. El sentimiento de pérdida está presente desde el principio, y esa pérdida se acrecienta en el caso de unos cantantes locales que existen por y para ese programa que se va a acabar para siempre. Así que Meryl canta. Vuelve a cantar como ya lo hizo en “Postales desde el filo”, como hizo este verano sobre un escenario neoyorkino interpretando a una inolvidable “Madre Coraje”, y como en breve volverá a hacer en otra película. Sorprendente que a parte de tener una gran voz y una muy amplia tesitura, sea capaz de modular al más puro estilo country como sólo los más grandes del género saben hacer. A parte de eso, esta Yolanda es mucho más gracias a su intérprete, que una vez más da otras muchas vueltas de tuerca a su personaje escrito.

Meryl se ha ganado el lugar que actualmente ocupa en el cine, pero ¿acaso es menos cierto que en España hay actrices que también merecen su lugar? Ojalá ese mismo paso del tiempo, tan importante para muchos, nos demuestre que esos lugares existen.

DONDE ESTAN LAS CHICAS por Daniela Fejerman

Cuando pusimos en marcha este blog, pensamos dedicar una sección a “las chicas de las pelis”, donde íbamos a comentar algunas películas de estreno poniendo el foco en los personajes femeninos, viendo qué imagen proyectaban sobre nosotras y hasta qué punto nos reconocíamos en esas imágenes.

Fui a ver “La vida de los otros”, película sobre la que tenía las mayores expectativas, con el aliciente añadido de fijarme especialmente en sus personajes femeninos. La película me fascinó (alucino con el cine alemán y su capacidad para la revisión histórica), pero, francamente, no me apetecía centrarme en el personaje de Christa-María, una actriz insegura y débil, la única que acaba escogiendo el bando equivocado, la que precipita la desgracia pero paga por ello con su vida. Es el personaje más negativo, sí, y es una mujer, sí, pero está tan bien construido (e interpretado) que nos queda claro que es víctima de su propia debilidad.

Decidí cambiar de aires. Llegué al festival de Málaga al final, y sólo alcancé a ver un par de películas. La ganadora, “Bajo las estrellas”, me gustó muchísimo. Pero de nuevo el personaje femenino, una madre soltera interpretada por Emma Suárez, era francamente secundario. En esta historia de seres a la deriva que encuentran extrañas formas de socorro mutuo, lo más importante es la relación entre el prota (Alberto San Juan), su hermano (Julián Villagrán), y la hija de la novia de éste. Así que no tenía sentido poner el foco donde la película no lo pone.

Me resulta difícil hablar de los personajes femeninos de las pelis porque las chicas siguen estando al fondo, en segundo plano, son parte del paisaje, son el interés romántico, son el detonante de las catástrofes… Pero cuesta encontrar historias donde lleven el peso de la acción. Para ver a estas mujeres de ficción hay que aguzar la vista, hay que fijarse en los detalles, hay que forzar el punto de vista del director. Este segundo plano las condena a estar siempre menos definidas, por tanto a ser menos complejas, y claro, menos interesantes. Así las cosas, nos lo ponen francamente difícil para reconocernos e identificarnos, ¿no?.